González Palma. Constelaciones de lo intangible
7 Obras Maestras Que Fueron Rechazadas Por Los Críticos
Las cosas no fueron tan fáciles como lo imaginamos para la mayoría de quienes hoy consideramos maestros. Ellos también lucharon, y es posible que hayan luchado muchísimo más de lo que nosotros necesitaremos hacerlo. Sin embargo, pudieron ver más allá del rechazo y las críticas, y se enfocaron en su arte porque creían en sí mismos.
Estos son algunos de los obstáculos que enfrentaron los más grandes artistas en sus vidas para que te inspires a seguir adelante y te des cuenta de que el rechazo es solo parte de la lucha que te ayuda a evolucionar como artista, y no el final de tu carrera.
Pablo Picasso
Tal vez Pablo Picasso sea el artista más conocido en todo el mundo, famoso por revolucionar el arte con su técnica innovadora y con su profundo entendimiento de la forma humana. Sin embargo, como sucede con cualquier otro gran artista, sus obras recibieron muchas críticas por ser “esquizofrénicas” e incluso “satánicas” en un principio. Carl Jung, un psiquiatra suizo, clasificó su técnica como “formas del inframundo”, algo malévolo y que no pertenecía a las galerías de arte. Llegó a decir: “En cuanto al futuro de Picasso, preferiría no tratar de hacer profecías, porque esa aventura interna es peligrosa y puede hacer que las cosas se detengan o a una separación catastrófica de los lados opuestos que estaban entrelazados”.
Bueno, tenía razón en algo, ¡era mejor que no tratara de hacer profecías!
Claude Monet
Paul Cézanne
En general, los impresionistas no eran muy populares con los críticos. Habían hecho su propia exposición, algo que no era común en esa época, para separarse del nepotismo y de las restricciones académicas de la sociedad elitista del arte. A Paul Cézanne llegó hasta a llamarle “loco” Marc de Montifaud, un crítico y autor francés. Al describir su obra maestra, Olympia, una pintura inspirada en las obras de Manet, el crítico dijo “el Sr. Cézanne apenas da la impresión de ser una suerte de loco, quien pinta en un estado de delirium tremens.”Tanto Claude Monet como Paul Cézanne, o mejor dicho, todos los impresionistas, siguen manteniendo hasta hoy su posición como los artistas que llegaron a vender a los más altos precios (más de 100 años después de esa exposición).
Vincent Van Gogh
¿Quién no conoce la triste historia de Vincent Van Gogh? No, no estamos hablando de el espantoso incidente de la oreja. Nos referimos al hecho de que uno de los artistas más celebrados (actualmente) solo vendió un cuadro durante toda su vida, y apenas lo hizo por 400 francos (alrededor de 1000 dólares estadounidenses actualmente). La mayoría de los críticos simplemente rechazaban sus obras por considerarlas hechas por un principiante, y algunos incluso llegaron a decir que eran “extrañas, intensas y febriles.”
ada una de las pinturas de Vincent Van Gogh valen más de 60 millones de dólares hoy en día.
Marcel Duchamp
Todos sabemos que Marcel Duchamp es el artista conceptual más grandioso de todos los tiempos. Sin embargo, ¿sabías que su obra más famosa, la fuente, solo estuvo en la galería por un par de días y luego la tiraron a la basura? Las piezas que existen actualmente, que son exactamente 17, son réplicas ordenadas por el artista después de que se perdiese el original en 1917.
En caso de que te lo estés preguntando, se estima que cada una de estas réplicas vale más de 2 millones de dólares actualmente.
Andy Warhol
Andy Warhol, la cara del arte pop, fue sin lugar a dudas el artista más controversial e incorregible de su época. Los críticos reseñaban con despotismo sus obras llamándoles “fraudes estéticos” y le criticaban por reducir el mundo del arte a “un negocio automático”. En 1956, Andy Warhol donó una de sus obras (Zapato) al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco tiempo después, el director del museo, Alfred H. Barr Jr. le escribió una carta a Warhol rechazando su obra (¡regalada!) “porque no había suficiente espacio en el almacén de la galería”. Explicó “debemos rechazar los regalos ofrecidos pues sentimos que no es justo aceptar como regalo esta obra que no sería expuesta con mucha frecuencia.
El Museo de Arte Moderno actualmente cuenta con 168 de las obras de Warhol en su colección privada, incluyendo Zapato.
Barnett Newman
Barnett Newman fue uno de los pioneros en el movimiento del expresionismo abstracto que se apoderó del arte americano y uno de los artistas más influentes de su época. Sin embargo, no todo el mundo estaba impresionado por su técnica del campo de color. En una reseña para su exposición en el Instituto de Arte de Minneapolis, un crítico famoso llamado Frank Getlein comparó a Newman con un pintor de casas y dijo que el museo “se habría podido ahorrar una buena cantidad de dinero si solo hubiesen obtenido algunos planos y hubiesen hecho que los pintaran con rodillos los conserjes.”
En 2014 Fuego negro 1, una de las pinturas de Newman, se vendió por 84.2 millones de dólares, el récord más alto para el artista.
Todos hemos estado ahí. Cuando creas algo, te abres a las críticas. Bien sea que las pidas o no, las críticas de arte son difíciles de digerir. Entrenarte para aceptar y aprender de tus críticas más rudas es una de las habilidades más difíciles y gratificantes que puedes desarrollar como artista. Si los maestros lo hicieron, ¡podes hacero vos!
El baño de Tomoko
Primero fueron los gatos. En Minamata, oeste de Kyushu en Japón, los felinos enloquecían y saltaban al mar. Luego comenzó a afectar a los pescadores. Un leve hormigueo en sus miembros y labios se transformaba en entumecimiento. Antes de morir casi ni podían hablar. Y llegó al seno de los hogares con mujeres que parían niños con deformidades o ceguera.
Este ataque se sumó a las heridas que había sufrido durante la segunda guerra mundial cuando cubría el avance estadounidense en el Pacífico, justamente ante las tropas imperiales japonesas.
Sebastião Salgado: La Mirada que Captura la Esencia Humana y la Naturaleza
Sebastião Salgado es uno de los fotógrafos más reconocidos del mundo, conocido por su capacidad única para capturar la esencia de la humanidad y la naturaleza en su obra. Nacido en 1944 en Minas Gerais, Brasil, Salgado ha dedicado más de cuatro décadas de su vida a documentar la condición humana y los paisajes naturales a través de la fotografía en blanco y negro, creando una obra que no solo es visualmente impactante, sino también profundamente conmovedora y reflexiva.
Los Inicios de su Carrera
Salgado no comenzó su carrera como fotógrafo. De hecho, se graduó en economía y trabajó como economista para la Organización Internacional del Café. Fue durante sus viajes de trabajo por África en la década de 1970 cuando descubrió su verdadera pasión: la fotografía. Poco después, dejó su carrera en economía para dedicarse a tiempo completo a la fotografía documental.
Compromiso con la Humanidad
Uno de los aspectos más destacados de la obra de Salgado es su compromiso con la humanidad. A lo largo de su carrera, ha documentado algunos de los eventos más impactantes del siglo XX, incluyendo la hambruna en el Sahel, la vida de los trabajadores en condiciones extremas, el genocidio en Ruanda, y los desplazados por la guerra y la pobreza. Su serie fotográfica más famosa, "Éxodos", es un testimonio visual de la migración humana, mostrando el sufrimiento y la resiliencia de personas desplazadas en todo el mundo.
Salgado tiene un enfoque único en su fotografía: no solo busca capturar la imagen, sino también transmitir la historia detrás de cada fotografía. Sus imágenes no son simplemente un reflejo de la realidad; son una llamada de atención a las injusticias y la desigualdad en el mundo.
Génesis: Un Tributo a la Naturaleza
En la última década, Salgado ha enfocado su lente en la naturaleza y el medio ambiente. Su proyecto "Génesis", que comenzó en 2004 y se completó en 2013, es una exploración de los rincones más remotos y vírgenes de nuestro planeta. Este trabajo no solo celebra la belleza del mundo natural, sino que también es un llamado a la conservación de nuestro entorno. Las imágenes de "Génesis" capturan paisajes prístinos, animales en su hábitat natural, y comunidades indígenas que viven en armonía con la naturaleza, ofreciendo una visión de lo que el mundo podría ser si aprendemos a respetar y proteger nuestro medio ambiente.
El Impacto de su Trabajo
El trabajo de Sebastião Salgado ha sido reconocido internacionalmente con numerosos premios y exposiciones en los museos más prestigiosos del mundo. Pero más allá de los galardones, su verdadero legado reside en la capacidad de sus fotografías para inspirar un cambio social y ambiental. A través de su lente, Salgado nos invita a reflexionar sobre nuestra humanidad, sobre la fragilidad de la vida en la Tierra, y sobre la urgente necesidad de proteger nuestro mundo.
Además de su obra fotográfica, Salgado y su esposa, Lélia Wanick Salgado, fundaron el Instituto Terra, una organización dedicada a la reforestación y la restauración del medio ambiente en Brasil. Este proyecto es un ejemplo vivo del compromiso de Salgado con el planeta, no solo como fotógrafo, sino también como activista.
Sebastião Salgado es más que un fotógrafo; es un narrador visual y un defensor de los derechos humanos y el medio ambiente. Su obra es un recordatorio de la belleza y la tragedia de nuestro mundo, y de la responsabilidad que todos tenemos de preservarlo. En un tiempo donde la imagen es omnipresente, Salgado sigue demostrando que la fotografía puede ser una poderosa herramienta para el cambio, capaz de tocar el corazón y la conciencia de quienes la observan.
Mas sobre Sebastiao: https://oscarenfotos.com/2013/02/23/sebastiao-salgado/
Fricción cognitiva para que tu mirada pase a otro nivel
– Esta fotografía me MOLESTA. Hay algo que no sé si me gusta o no.
Esa fotografía ha generado en vos fricción cognitiva.
La percepción es el proceso cognitivo a través del cual recibimos información y nos formamos una imagen de la realidad que nos rodea. Así, cuando percibimos una fotografía realizamos dos fases: recepción e interpretación, la primera es un factor físico; la segunda está directamente influenciada por los factores personales: cualidades cognitivas, emociones, proyecciones, creencias, autor u origen de la fotografía y cultura visual.
Por ello, ante la misma fotografía, la percepción de cada persona puede variar significativamente, esto se denomina relatividad perceptual.
Los seres humanos tendemos a interpretar lo que vemos en sintonía con nuestro sistema de creencias. Así, cada vez que miramos realizamos una interpretación individual provocando que unos estímulos se sobrevaloren, mientras que otros quedan omitidos, por eso, si las llaves no están en el mismo lugar de siempre, no las encuentro.
También puede suceder que veamos fotografías que muestran situaciones totalmente nuevas para nosotros o que chocan con nuestro sistema de creencias, sobre qué es una buena fotografía, qué deben expresar o qué debe aparecer y no. Esas fotografías nos generan fricción cognitiva.
Juan José Reyes, promotor del Miami Street Photography Festival, argumenta que cuanto mayor es la fricción cognitiva más difícil es de comprender y aceptar la fotografía, pero a cambio se convierte en más perdurable y su huella emocional resulta más profunda:
“Si una imagen tiene una alta fricción cognitiva significa que no puede ser comprendida solamente al ser vista. La mente ha de trabajar para comprenderla y la emoción cambiará dependiendo de los diferentes factores internos, que siempre cambian.”
La persona que percibe (mira) es pasiva y se limita a recibir los estímulos externos para luego proceder y organizar su interpretación. Si se ajusta a sus esquemas, no hay problema, todo va bien.
La fricción cognitiva provoca irremediablemente disonancia cognitiva, en psicología hace referencia a la tensión interna y desarmonía del sistema de ideas, creencias y emociones que percibe una persona que tiene un conflicto que puede impactar sobre sus actitudes.
La teoría de Leon Festinger, sobre la disonancia cognitiva, plantea que, al producirse esa incongruencia, la persona se ve automáticamente motivada para esforzarse en generar ideas y creencias nuevas para reducir la tensión, hasta conseguir que el conjunto de sus ideas y actitudes encajen entre sí, constituyendo una cierta coherencia interna.
En ese sentido las fotografías que no generan fricción cognitiva pasan, “sin pena, ni gloria”. Cuanta menor fricción, mayor rapidez de percepción, más facilmente vemos la imagen y mas satisfacción con el “bello” resultado.
¿Pero es eso lo qué queremos?
Hay una constante en las fotografías de Sebastião Salgado y es la fricción cognitiva. Sus fotos rechinan, son imágenes provocadoras.
Las fotografías de Diane Arbus son llamativas, gritan. Imágenes con tremenda fricción cognitiva, donde la función de la imagen no es que sea bella, sino descifrar la oscuridad, el misterio.
William Klein, el transgresor, él mismo era una fricción, pura rebeldía en sus imágenes que fueron entendidas posteriormente.
Gillian Wearing trabaja sobre un concepto de familia que puede doler.
Cuando vuelvas a ver una fotografía que te provoque fricción cognitiva cuestiónate y vuélvela a mirar. Posiblemente descubras muchas cosas sobre la vida, sobre ti mismo, que desconocías.
La fricción cognitiva puede provocar que una fotografía sea difícil de ver o entender. Pero es esta fricción es la que permite que el arte cumpla la función crucial de cuestionar el mundo.
Amparo Muñoz Morellà
Fotografía Artística: La Expresión Creativa a Través del Objetivo
por Javier Galli
La fotografía artística es mucho más que simplemente apuntar y disparar. Es una forma de expresión creativa que permite al fotógrafo plasmar su visión única del mundo. A través del objetivo de la cámara, los artistas fotográficos pueden capturar momentos, emociones y escenas que transmiten mensajes poderosos y evocan sentimientos profundos en el espectador.
Se aparta de la fotografía documental o comercial y se centra en la interpretación personal del fotógrafo. Cada imagen es una manifestación de su imaginación, su habilidad para ver más allá de lo evidente y su capacidad para contar historias a través de la luz y la sombra.
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Uno de los pilares fundamentales de la fotografía artística es la composición. Los artistas fotográficos son maestros en la disposición de elementos dentro del encuadre para crear una armonía visual. Cada línea, forma y color son cuidadosamente considerados para transmitir una sensación particular o una narrativa implícita. La composición juega un papel esencial en cómo el espectador percibe y se conecta con la imagen.
También explora la experimentación con técnicas y estilos. Desde el uso de la larga exposición para capturar el paso del tiempo, hasta la manipulación digital para crear mundos surrealistas, los artistas fotográficos están siempre en búsqueda de nuevas formas de expresión. Estas técnicas permiten que la fotografía se convierta en una forma de arte altamente versátil y en constante evolución.
A menudo lo que se busca es provocar emociones y reflexiones. Una sola imagen puede transmitir una gama de sentimientos: desde la alegría y la felicidad, hasta la tristeza y la melancolía. Los artistas fotográficos encuentran en cada captura una oportunidad para contar una historia o plasmar un mensaje profundo que resuene en la vida de los espectadores.
Este tipo de fotografia puede ser una herramienta poderosa para el activismo y la conciencia social. A través de imágenes impactantes, los artistas pueden dar voz a temas importantes y abrir los ojos del público a realidades que a menudo se pasan por alto. Puede convertirse en un medio para promover el cambio y la reflexión en la sociedad.
La belleza de estas imagenes radica en su capacidad para inspirar e intrigar. Cada imagen es una ventana a la mente del fotógrafo, una invitación a un viaje visual que estimula la imaginación y despierta la curiosidad. Es un medio a través del cual los fotógrafos pueden compartir su visión única del mundo y, al mismo tiempo, abrir un diálogo con aquellos que aprecian su obra.
En conclusión, la fotografía artística es una expresión creativa que trasciende las barreras del tiempo y el espacio. Es una forma de arte que captura la esencia de la vida, la emoción humana y la belleza del mundo que nos rodea. A través del arte de la fotografía, los artistas pueden congelar el tiempo y dejar una huella imborrable en la historia de la humanidad.
A continuación algunos exponentes de este tipo de fotografia:
- Annie Leibovitz: Conocida por sus retratos icónicos de celebridades y figuras públicas. Su trabajo se caracteriza por la composición creativa y el uso inteligente de la luz.
- Man Ray: Un influyente fotógrafo y artista del movimiento surrealista. Sus imágenes son conocidas por su ingenio y manipulación de la realidad.
- Cindy Sherman: Reconocida por su fotografía conceptual y su habilidad para transformarse en diferentes personajes para sus autorretratos.
- Francesca Woodman: Una fotógrafa que creó imágenes introspectivas y poéticas a través de la exploración del autorretrato y la relación con el entorno.
- Sally Mann: Su trabajo se centra en retratos íntimos y paisajes que evocan una sensación de nostalgia y un vínculo con el pasado.
- David LaChapelle: Conocido por sus elaboradas imágenes surrealistas y provocativas que desafían los límites de la realidad.
- Hiroshi Sugimoto: Fotógrafo conceptual que utiliza exposiciones largas para capturar escenas como paisajes marinos y salas de cine, creando imágenes etéreas y atemporales.
- Liu Bolin: También conocido como "El hombre invisible", crea autorretratos en los que se camufla meticulosamente con su entorno, explorando temas de identidad y desaparición.
- Daido Moriyama: Fotógrafo japonés famoso por sus imágenes en blanco y negro que capturan la vida urbana de Tokio con una estética áspera y expresionista.
- Duane Michals: Fotógrafo conocido por sus secuencias narrativas y su capacidad para contar historias a través de imágenes.
Estos son solo algunos ejemplos de fotógrafos artísticos que han dejado una huella significativa en el mundo de la fotografía. Te recomendaría investigar más sobre sus obras y explorar diferentes estilos y enfoques para inspirarte en tu propia visión artística.
Entrevista a Cayetano Arcidiacono
Por javier Galli
Hoy Miercoles comenzaremos con el ciclo "Artistas Argentinos mas influyentes".
Hoy presentamos a Cayetano Arcidiacono, Mendocino, nacido en Italia, desde hace décadas sorprende por la calidad de su obra de justa composición, elogio de la forma y exquisitos matices de blanco y negro. Ágil, activo, curioso, con amplio criterio para la investigación de materiales, en su último trabajo digital y color cambió de soporte pero no de calidad.
Hoy tuvimos una enriquecedora y agradable conversación, que nos acercó a una mirada mas intima de de su obra y pensamiento:
Patagonia Art: como llegaste a la fotografia, y que significa para vos?
Cayetano: Mi encuentro con la fotografía no fue premeditado. Era simplemente uno más, quería guardar recuerdos familiares. Hasta que como tantos, pase por un Fotoclub; Conexión que sería el real comienzo serio con la fotografia hasta el presente. A sido desde entonces algo invalorable en mi vida. Me ha permitido, valorar y revalorar todo lo que me rodea y acompaña.
Pat : Entiendo...
Cay: Me resulta difícil hablar de los sentimientos, que es parte indescifrable y motivadora de la fotografía..
Pat: cómo ves el trabajo de tus pares?
Cay: Es tema muy difícil de responder, Difícil porqué es casi imposible no juzgar. En ese campo te traiciona siempre la subjetividad. A un autor no solamente se lo puede juzgar por sus atributos técnicos, que es lo que está pasando en los últimos tiempos; Sino por otras cosas, donde el autor se vea presente como ser humano, como persona.
Pat: Coincido plenamente
Cay: Y en la mayoría de los fotógrafos noto esa falta de visión a lo mas allá de la simple imagen bidimensional.
Pat: como es tu relacion con el blanco y negro?, (perdón que te tutee)
Cay: No, para nada. Además hablando de fotografia me siento más joven...El blanco y negro…. nací con él y sigo fiel. Hago muy poco color. Es tan fuerte el monocromo - para mi- que a veces me da la impresión que tiene algo de color; Siento que su fuerza expresiva es única.
Pat: a mi me pasa con tu obra (te sigo en instagram), que sin mirar el nombre ya se que es tuya...
Cay: Es muy cierto, y qué bueno que eso se note. Es lo que comentaba anteriormente del entorno; Hay cosas tan simples, pero tan fuerte lo que pueden transmitir. Creo que por eso el ByN es insuperable.
La sencillez en lo TÉCNICO y el contenido últimamente, me han hecho ver un tipo de foto minimalista en la que fui entrando lentamente sin darme cuenta...Y además…. Para mi, restarle importancia con que cámara estoy trabajando, y si a la imagen en si misma, que se la pueda juzgar por momentos, por falta de conocimiento o de técnica.
Pat: y como buscas inspiracion para realizar tus imagenes?
Cay: Simplemente nos encontramos…. Un gesto de placer por el encuentro y el clic. Camino sin dejar de mirar a mi alrededor. Todo sirve todo es hermoso todo me motiva, y en esa pequeña zona o lugar trato de adentrarme hasta encontrar la composición que más me agrada. Por supuesto que luego está la otra parte, La edición que es donde acompaña y define tu trabajo...Trabajo que tiene que ser tan simple como la composición misma de la toma. Soy muy malo con la tecnología y trato de conservar lo experimentado el el cuarto oscuro.
Pat: por último, que le dirias a los fotografos que estan en el camino de generar una imagen propia ?
Cay: Ser muy observadores, de lo que hacemos y hacen los demás. Conocer y hablar con otros artistas - No solamente fotógrafos- Tomar conciencia de que una mención o una palmada de aprobación en la espalda no es sinónimo de haber llegado. La autocrítica VERDADERA, ayuda mucho. Y que uno también puede aprender de los que supuestamente No Saben.
Pat: muchas gracias por tus palabras y este tiempo compartido
Luego de muchos años de trabajar en blanco y negro y volverse un experto en las técnicas del laboratorio, decidió incorporar el color y la fotografía digital.
